Les livres qui inspirent mon univers créatif

Au fil des années, certains livres ont accompagné mon parcours artistique, nourri ma curiosité et enrichi ma façon de regarder le monde. Qu'ils soient consacrés à l'illustration botanique, à l'aquarelle ou au design de surface, chacun d'eux m'a apporté quelque chose de précieux. Aujourd'hui, je vous fais découvrir six ouvrages que j'aime particulièrement et que je garde toujours près de moi.

1) Birds in Watercolor, Collage and Ink: A Field Guide to Art Techniques and Observing in the Wild, Geninne D. Zlatkis.

Ce livre occupe une place toute particulière dans ma bibliothèque. Il m'a accompagnée dans mes premiers apprentissages de l'illustration d'oiseaux à l'aquarelle et a profondément influencé mon propre style.

Au fil des pages, Geninne partage ses observations de la nature, ses photographies d'oiseaux et sa manière de les transformer en illustrations. Mais le livre ne se limite pas à l'aquarelle : il explore également le collage et propose différentes pistes créatives pour expérimenter avec les images, les textures et les couleurs.

J'aime particulièrement les pages détachables à la fin du livre, composées de photographies, de peintures et de papiers illustrés, qui invitent à créer ses propres compositions.

Birds in Watercolor, Collage and Ink: A Field Guide to Art Techniques and Observing in the Wild, Geninne D. Zlatkis.

2) Painting Nature with Clare, Clare Therese Gray

Ce livre est une très belle source d'inspiration pour moi, notamment pour mon travail à la gouache. Clare Therese Gray travaille principalement avec cette technique traditionnelle et développe un univers artistique au charme vintage, que j'aime particulièrement et qui a influencé ma propre manière de peindre.

Le livre est organisé en cinq chapitres, chacun consacré à un environnement naturel différent : le jardin, la campagne, la rivière, le bord de mer et la forêt. À travers des projets expliqués pas à pas, l'artiste nous invite à explorer la peinture de fleurs, de plantes, d'animaux et de petits paysages.

Elle présente également ses matériaux et les techniques de base qu'elle utilise, ce qui en fait un véritable guide pratique, tout en restant une source d'inspiration grâce à ses illustrations, ses palettes de couleurs et son univers si particulier.

Painting Nature with Clare, Clare Therese Gray

3) The Book of Flowers, Pierre-Joseph Redouté

Véritable ouvrage de référence pour les amoureux de botanique et d'illustration florale, The Book of Flowers est un livre que j'aime particulièrement feuilleter. Les aquarelles de Pierre-Joseph Redouté sont d'une précision et d'une finesse remarquables. Certaines fleurs semblent presque photographiées tant leur représentation est délicate et réaliste.

L'ouvrage rassemble de nombreuses espèces florales, présentées à travers trois grandes parties consacrées aux Liliacées, aux Roses et à une sélection d'autres fleurs, accompagnées de leurs noms scientifiques. Il ne s'agit pas d'un livre technique, mais plutôt d'un magnifique recueil à contempler, à parcourir et à apprécier au fil des pages.

Cette édition trilingue, en anglais, français et allemand, a également une signification particulière pour moi. Je l'ai découverte une première fois dans une librairie, puis retrouvée quelque temps plus tard dans la boutique d'un château. Cette deuxième rencontre m'a convaincue de l'emporter avec moi !

Il est arrivé dans ma bibliothèque au début de mon parcours d'illustratrice botanique, à une période où je découvrais l'aquarelle et où les langues française et allemande prenaient une place importante dans ma vie.

The Book of Flowers, Pierre-Joseph Redouté

4) How to Be a Wildflower - A Field Guide, Katie Daisy

Katie Daisy fait partie des artistes qui m'ont profondément inspirée au début de mon parcours artistique, à une époque où je redécouvrais ma créativité et où je n'imaginais pas encore faire de l'illustration mon métier.

Dans l'introduction de ce livre, l'artiste raconte comment son enfance au contact de la nature a façonné sa sensibilité et continue d'influencer son univers créatif. C'est aussi ce qui me touche particulièrement dans son travail : sa capacité à transformer ses observations et les petits plaisirs du quotidien en un univers illustré plein de poésie, de couleurs et de vie.

How to Be a Wildflower est bien plus qu'un livre d'illustration. Présenté comme un guide de terrain, il invite à observer la nature autrement, à explorer, à collectionner de petits trésors, à cuisiner, à découvrir les fleurs, les oiseaux et même les constellations. On y trouve des illustrations, des citations, des activités et de nombreuses idées pour éveiller sa curiosité et sa créativité.

J'aime particulièrement son langage visuel si reconnaissable, notamment son lettrage réalisé au pinceau, qu'elle associe à ses illustrations et à de délicates compositions intégrant parfois des fleurs pressées. Le livre nous invite d'ailleurs à créer nos propres collections de fleurs, avec quelques pages spécialement réservées à cet effet.

C'est une œuvre qui m'a appris à voir l'illustration au-delà du dessin lui-même, et à imaginer comment un univers artistique personnel peut aussi prendre vie à travers des objets et des créations du quotidien. Elle nous invite également à porter un regard plus attentif sur la nature et à trouver de nouvelles idées créatives dans ses petites merveilles.

How to Be a Wildflower - A Field Guide, Katie Daisy

5) William Morris: Pattern & Design, Jenny Lister

Ce livre est une magnifique référence visuelle consacrée aux motifs textiles et aux papiers peints de William Morris, issus de la riche collection du Victoria and Albert Museum de Londres.

J'ai choisi cette édition parce qu'elle accorde une belle place aux motifs eux-mêmes. Ce sont surtout leurs formes végétales, leurs compositions répétitives et leurs associations de couleurs qui retiennent mon attention. J'aime observer la richesse des détails, les arabesques et cette manière si particulière de mêler les éléments botaniques à des structures géométriques.

Le livre est écrit par Jenny Lister, conservatrice des collections de textiles et de mode au Victoria and Albert Museum, spécialisée dans le XIXe siècle. Ce musée fait d'ailleurs partie de mes préférés à Londres, ce qui rend cet ouvrage encore plus précieux à mes yeux.

C'est un livre que j'aime avant tout feuilleter pour observer les motifs, m'imprégner de leur composition et découvrir toute la richesse de l'univers décoratif de William Morris.

William Morris: Pattern & Design, Jenny Lister

6) From Petal to Pattern, Michelle Parascandolo

Ce livre occupe une place toute particulière dans mon atelier : il reste toujours à portée de main, posé sur mon bureau. C'est en découvrant le travail de Michelle Parascandolo que j'ai commencé à m'intéresser davantage au design de surface et à la manière de transformer des illustrations florales en motifs et en collections.

Diplômée en design textile et de surface, Michelle raconte dans l'introduction comment elle a peu à peu renoué avec sa créativité grâce à son retour à la nature et au dessin de fleurs. Cette démarche l'a amenée à explorer différentes approches du design floral, en jouant avec les styles, les compositions et les palettes de couleurs.

Le livre est organisé en trois grandes parties. La première présente les fondamentaux du design de motifs : les différents types de répétition et de mise en page, la construction d'un motif, ainsi que les méthodes de travail, aussi bien à la main qu'à l'aide de logiciels comme Photoshop et Illustrator. Elle aborde également la recherche d'inspiration, la création de moodboards et la théorie des couleurs.

La deuxième partie propose une série de projets créatifs autour de thèmes très variés : bouquets, compositions abstraites, motifs géométriques, éléments botaniques, fleurs de saison, arbres et feuillages, entre autres. Chaque projet explore une approche différente du design floral et s'accompagne d'une affirmation positive, pensée pour nourrir la réflexion et encourager la créativité pendant le processus créatif.

Enfin, la dernière partie explique comment construire une collection de motifs, en partant d'un motif phare puis en développant des motifs coordonnés.

J'aime particulièrement cette progression, qui nous accompagne de l'illustration d'un élément floral jusqu'à la création d'une véritable collection. C'est un livre à la fois inspirant et très concret, que je recommande à celles et ceux qui aiment dessiner des fleurs et souhaitent découvrir comment donner une nouvelle dimension à leurs illustrations en les transformant en motifs.

From Petal to Pattern, Michelle Parascandolo

La Bretagne, une source d’inspiration infinie

Quand les vacances nourrissent aussi la créativité

Le mois d’août a été un mois de vacances, de pauses et de découvertes. J’ai pleinement profité de l’été, et particulièrement de la mer, que j’aime tant. J’ai pris le temps de me reposer et d’explorer de nouvelles régions de la Bretagne, ce qui m’a fait tomber encore un peu plus sous le charme de cette belle région française. Et même si je n’étais pas pleinement active dans mon atelier, ces expériences ont naturellement nourri ma créativité et m’ont donné de nouvelles idées pour les collections à venir. 

Une région, mille paysages

Chaque lieu visité m’a offert des nouvelles découvertes et de beaux souvenirs, mais j’ai été particulièrement impressionnée par la grandeur des falaises du Cap Fréhel et par le paysage unique formé par les rochers de la Côte de Granit Rose. La visite du Fort La Latte a également été une expérience marquante : c’est l’un des sites les plus singuliers que j’aie jamais découverts, avec une atmosphère qui m’a véritablement transportée à l’époque médiévale. Et partout où je suis allée, la couleur de la mer m’a toujours émerveillée.

Du bleu profond aux eaux cristallines

Tout comme la diversité des paysages bretons, la couleur de l’eau ne pouvait qu’être tout aussi variée. Le bleu de la mer en Bretagne ne se limite pas à une seule nuance. J’ai remarqué des tonalités de bleu profond, de turquoise et de vert émeraude dans les différentes régions, contrastant avec le bleu du ciel et se révélant aussi bien dans l’immensité de l’océan que dans les reflets des eaux cristallines des plages. Parmi tous les paysages que j’ai découverts cet été, l’Archipel des Glénan a sans aucun doute été l’un de ceux qui m’ont le plus impressionnée.

Une palette bien plus vaste qu’on ne l’imagine

Lorsque l’on pense à la Bretagne, une palette de couleurs bien définie vient souvent à l’esprit, avec des tons de bleu, de vert, de gris et de beige. Mais cette image a rapidement changé lorsque je suis arrivée sur la Côte de Granit Rose. Au-delà de la magnifique teinte rosée des rochers, le paysage se compose de formes impressionnantes, sculptées par le temps, le vent et la mer dans les immenses blocs de granit.

Le contraste entre le rose chaud du granit et les différentes nuances de bleu de la mer a enchanté mon regard d’artiste. Il était impossible de ne pas observer ces associations d’un œil plus créatif, en réfléchissant à la façon dont des couleurs et des formes si différentes peuvent coexister de manière si harmonieuse et inspirante.

Des façades qui attirent le regard

En continuant à explorer les couleurs pendant mes vacances, certains paysages urbains ont également attiré mon attention. À Douarnenez, j’ai été surprise par les façades colorées des anciennes maisons de pêcheurs du Port du Rosmeur, qui contrastaient joyeusement avec la mer. Ces nuances de rose plus chaudes, de rouge, de jaune et de bleu m’ont immédiatement fait penser aux palettes d’automne que j’aime utiliser dans mes créations.

Quand les couleurs deviennent des idées 

Après quelques semaines de repos, de retour à l’atelier, j’ai repris mon travail sur les collections automne-hiver, en gardant à l’esprit certaines des teintes que j’avais observées et photographiées pendant l’été. Bien que j’aie passé mes vacances entourée d’eau et de végétation, certaines teintes terreuses ont commencé à dialoguer avec des éléments que j’avais déjà imaginé intégrer à mes illustrations, donnant naissance à de nouveaux motifs floraux.

Observer, s’émerveiller, créer

En tant qu’artistes et créatifs, nous sommes toujours à la recherche de nouvelles idées pour nos projets. Pourtant, elles peuvent aussi naître dans les moments de pause, dans un regard spontané posé sur quelque chose qui attire notre attention et devient le point de départ d’une nouvelle création. Il suffit alors de rester curieux et de se laisser émerveiller par la simplicité et la beauté qui nous entourent.

L’inspiration ne se trouve pas toujours dans l’atelier. Parfois, il faut simplement prendre le temps de regarder.